Matéria original traduzida pela Toon Boom
por Edward Hartley
Quem não ama um episódio de crossover? Há algo especial em ver seus personagens favoritos de diferentes franquias surgindo em outros universos que atiçam a imaginação e abrem novos reinos de possibilidades. Pode ajudar a estabelecer seus personagens favoritos como sendo maiores do que as séries que os geraram, tornando-os ainda mais icônicos! Este é um conceito que o artista da produção e artista do storyboard, Al McClelland Jr., escolheu e ao qual se dedicou na série de sucesso “Death Battle” para a Rooster Teeth.
A série coloca dois personagens famosos da animação clássica juntos em uma luta sem limites, mostrando os superpoderes e movimentos característicos pelos quais eles são mais conhecidos. Em um episódio, o Popeye de E. Segar luta contra Saitama, de “One Punch Man”, uma briga que só poderia ocorrer no mundo da nossa imaginação.
Conversamos com Al para saber mais sobre a produção de “Death Battle”. Aspirantes a artistas de storyboard vão achar a variedade de estilos animados usados em cada episódio particularmente interessante. Fazer essa colagem de escolhas estilísticas funcionar é um feito heroico, e Al sentou-se conosco para compartilhar detalhes da produção. Sendo o principal artista de storyboard do projeto, a entrevista de Al se concentra em cenas de luta 2D do storyboard.
Para os leitores que não o conhecem, apresente-se e conte sua história na animação até agora!
Sou Al McClelland, Jr., formado pelo Cleveland Institute of Art (2010). Atualmente, sou ilustrador 2D da Roarty Digital, uma empresa com sede em Vancouver, British Columbia. Eu já fui o artista de produção sênior da Warner Media Discovery: Rooster Teeth de Austin, Texas.
Eu criei um monte de storyboards, cenários e modelos de personagens para séries como “RWBY”, “Camp Camp”, “Red vs. Blue”, “Death Battle” e vários outros projetos centrados em ação e comédia!
De onde surgiu a ideia de criar esses combates mortais com personagens animados famosos?
Eu, provavelmente, posso agradecer à equipe de “Death Battle” por isso! “Death Battle” é uma propriedade de Rooster Teeth comandada por Ben Singer e sua grande equipe de escritores, pesquisadores, artistas e animadores, que vem colocando os personagens favoritos de todos uns contra os outros desde 2010. Eles falaram comigo e com a equipe de 2D alguns anos atrás, para criar storyboards para uma luta 2D em escala maior usando o Storyboard Pro.
O primeiro projeto em que colaboramos foi uma luta entre “Deadpool” e “The Mask.” Eles gostaram tanto de como lidamos com o humor e as piadas visuais daquela luta que começamos a criar lutas 2D regularmente a cada temporada. Outras lutas para as quais fiz o storyboard foram “Genos vs. War Machine”, “Macho Man vs. Koolaid Man” e “Popeye vs. Saitama”. Conseguir fazer uma luta divertida usando tantos personagens diferentes envolve ser um fã, assistir a muitos desenhos animados e saber desenhar. Eu e o artista regular de storyboard para a equipe de “Death Battle”, John Mitchell, começamos a nerdear muito sobre nossos momentos favoritos de nossos desenhos animados!
Por que você escolheu trabalhar no Storyboard Pro e quais são algumas de suas vantagens para um projeto como o “Death Battle”?
O Storyboard Pro é um daqueles programas que é uma potência quando se trata de ajudar artistas a contar histórias visuais. Podemos editar vários painéis de uma só vez, preencher cores automaticamente, configurar tomadas de paralaxe com ferramentas da câmera e automação. Não sei como agradecer à equipe da Toon Boom por oferecer tantas opções para nomear automaticamente as coisas com suas ferramentas de exportação. Isso torna situações, como colaborar com outros artistas e atribuir partes específicas de um roteiro, muito mais fáceis quando o ritmo de uma produção começa a acelerar.
Meu ponto favorito absoluto do Storyboard Pro é usar camadas de vetores. Conseguir usar um desenho para vários tipos de tomadas é muito fácil. Você não precisa se preocupar com a confusão de pixels, quando um desenho vetorial pode ser ajustado com apenas alguns cliques.
Todos esses personagens são desenhados do zero?
Sim! Com a ressalva de que reutilizo esses desenhos o máximo possível. O pipeline de personagens, geralmente, começa com Laurin Crozier, outra artista de produção sênior da equipe.
Ela foi responsável por alguns modelos de personagens incríveis que se mostraram uma ótima referência ao desenhar os boards. Meu processo de storyboard envolveu assistir a muitas animações de referência para os personagens e criar um esboço.
Pode ser uma mistura de todas as formas que um personagem já tomou ou, mais frequentemente, recriar uma versão muito específica desse personagem. À medida que faço os boards e redesenho o personagem, eu acabo gerando visualizações suficientes desse personagem para que eu possa copiar e colar esses desenhos em novas tomadas. Geralmente, eu reutilizo um desenho anterior sem edição ou uso esse desenho como referência para a pose que eu quero. Ao limitar a quantidade de tempo que passo redesenhando, o Storyboard Pro me permite uma média de cerca de quatro painéis de storyboard por hora em roteiros que têm regularmente cerca de 200 ou mais painéis.
Como você recriou personagens famosos como “Popeye”, “The Mask” ou o “Kool-Aid Man”?
Ser fã de todos esses personagens antes de trabalhar no episódio, definitivamente, ajudou! Dito isso, acertar o movimento para cada personagem envolve assistir a muitas referências sobre
como esses personagens são quando estão em movimento. Um aspecto do “Death Battle” é que a série é um resumo educacional. Eles acabam mostrando algumas proezas diretamente do catálogo do personagem. Um grande ataque no roteiro pode ser idêntico algo que podemos ver na série do personagem.
Muitas vezes conseguimos combinar referências entre os dois mundos. Por exemplo, quando alguém como Saitama, de um mundo de anime de ação cheio de clichês, está sendo socado por alguém como Popeye, de um mundo de piadas visuais com lógica de desenho animado, as coisas podem ficar muito estranhas. Personagens como o Mask, com seu próprio desenho animado e história em quadrinhos dos anos 90, operam apenas na lógica dos desenhos animados. Nesse caso, eu consegui fazer referências a toneladas de desenhos diferentes que eu amo, enquanto jogava uma pitada de travessuras no estilo Pernalonga.
Lidar com o “Kool-Aid Man” foi mais um desafio, honestamente, porque, por “motivos jurídicos de empresa de bebidas”, ele quase nunca foi retratado lutando contra alguém. Transformar seus poderes mágicos em algo mais próximo do que um mago ou feiticeiro poderia usar como ataque foi muito divertido e me permitiu combinar meu amor por comerciais exagerados e por “Dungeons & Dragons”.
Quais são algumas técnicas que você usou no Storyboard Pro durante o processo de criação do storyboard?
Uma das minhas técnicas de câmera favoritas usadas no storytelling 2D é chamada de “panorâmica curva”. É muito útil quando você quer fazer um ambiente parecer real na tomada. Você coloca sua câmera perto de uma peça grande do cenário, de modo que quando você movimentar a câmera, parte do cenário estará mais perto da câmera do que o resto dele, criando um cenário com uma perspectiva curva. A arte final do cenário, geralmente acaba curvado como uma banana. Você pode ver um exemplo de uma panorâmica curva nas duas primeiras cenas da luta do “Mask vs. Deadpool”.
Meu outro favorito é chamado de ‘tiro de paralaxe’. É uma tomada com um movimento de câmera grande o suficiente para justificar a separação de um plano de fundo em várias partes, como primeiro plano, meio termo e fundo. Conforme a câmera se move pela tomada, as diferentes camadas de fundo passam em velocidades diferentes. Dá a ilusão de movimento da câmera pelo espaço 3D. Você pode ver um exemplo do efeito parallaxe em algumas tomadas da minha ideia original Scale.
A animação finalizada mostra vários estilos animados, com momentos em 3D e de rolagem pixelada. Você pode nos falar sobre algumas das escolhas estilísticas?
Muitos desses conceitos acontecem na fase de escrita do roteiro. A luta de “Saitama vs. Popeye” foi escrita pelo incrivelmente talentoso Liam Swan. Na etapa de pesquisa de ”Death Battle”, os episódios costumam surgir com números insanos. Nessa luta, acabamos medindo as coisas em Yottatons. Com base nisso, Ben e Liam tiveram a ideia de os golpes ficarem tão intensos que houve uma quebra da realidade.
Isso significou combinar o trabalho de diferentes equipes de animação em “Death Battle”, que foi administrado por Luis Cruz, diretor de animação de “Death Battle”. Luis guiou as escolhas de estilo da arte de personagens de pixels e 3D. John Mitchell se destaca em lutas de personagens de pixels contra 3D, então ele cuidou dessas cenas enquanto eu trabalhava nas partes que seriam feitas usando o Toon Boom Harmony. Houve, também, uma seção incrível da luta 3D, criada exclusivamente por Devil Artemis.
Quais são alguns dos desafios ao misturar diferentes estilos de animação em um único projeto?
Uma grande parte da colaboração é apenas manter uma linha de comunicação aberta com as pessoas com quem você está trabalhando. Eu e John Mitchell criamos os últimos quadros de nossas tomadas de transição primeiro, para que pudéssemos conectá-los rapidamente quando chegássemos a esse ponto. Também fizemos um brainstorming sobre quais efeitos especiais usaríamos para ajudar a sincronizar as transições. Combinar o tamanho do quadro e a posição do personagem realmente ajuda a vender um corte de realidade entre as cenas.
Como tem sido a migração para conteúdos curtos no TikTok e quais são algumas dicas para animadores que buscam um público para seu trabalho nessa plataforma?
Fazer os curtas de paródia para o Youtube e o TikTok tem sido uma maneira divertida de manter minhas habilidades de storyboard e animação afiadas entre diferentes contratos. O TikTok é único, pois permite que os usuários compartilhem passivamente sons para outras pessoas usarem em seu próprio trabalho. É uma espécie de lugar perfeito para colaborar como um contador de histórias visual, porque há muitas histórias em potencial para escolher. O que tem funcionado
para mim como criador é que se o áudio me faz rir em voz alta, e se eu rir enquanto monto o vídeo no Storyboard Pro, há uma boa chance de as outras pessoas também gostarem!
Aqui está um vídeo popular que eu animei no Storyboard Pro que usa um som do extremamente talentoso Daniel Ross.
Você tem algo empolgante vindo à tona que gostaria de anunciar ou mencionar?
Meu trabalho atual está trancado atrás de um NDA, mas estou planejando lançar mais curtas este ano, conforme eu tiver tempo livre. Meu próximo vídeo será uma paródia fazendo referência a um dos meus programas favoritos do momento. Eu também tenho algumas outras ideias secretas que vocês poderão ver ainda este ano!
Quando não estou fazendo meu trabalho diurno ou animando apenas por diversão, faço parte de um podcast do “One Piece” chamado “Ya Yo Talk Show”. Meus amigos Molly Flood, Mark B. Donica, Kdin Jenzen e eu compartilhamos nossos pensamentos sobre a série de mais de 1.000 episódios, enquanto assistimos “Kdin” curtindo pela primeira vez. Você pode acompanhar o podcast na maioria dos lugares como Twitch, Twitter, Tumblr e Youtube em @Yayotalkshow e você pode me seguir em Twitter, Instagram, TikTok e YouTube.
- Interessado saber mais sobre os bastidores de Al McClelland Jr.? Não deixe de visitar o portfólio de storyboard de Al em seu site.
- Para ver mais episódios de “Death Battle”, visite o canal oficial da série em Rooster Teeth.
- Pronto para começar o storyboard do seu próximo projeto? Baixe uma versão de avaliação de 21 dias do Storyboard Pro.
Quer conhecer todo o potencial do Storyboard Pro para sua instituição de ensino, curso ou empresa?